Filmpaare, die erschreckend identisch sind

Filme können eine überraschend ähnliche, wenn nicht sogar identische DNA haben, ohne sich auch nur annähernd ähnlich zu fühlen. Zwei Filmemacher können im Wesentlichen von derselben Prämisse ausgehen, ihre Charaktere in bemerkenswert ähnliche Umstände versetzen oder sogar parallele Reisen für ihre Protagonisten konstruieren, nur um diese Zutaten dann in völlig unterschiedliche Richtungen zu führen. Das Ergebnis können zwei Filme sein, die auf den ersten Blick unvereinbar zu sein scheinen, aber zu faszinierenden Begleitern werden, wenn man ihre grundlegenden Ähnlichkeiten erkennt.

Das macht die Faszination der folgenden filmischen Paarungen aus. Ein warmes Weihnachtsdrama kann mehr mit einem gruseligen Horrorfilm gemein haben als mit einem anderen Weihnachtsfilm. Eine Familienkomödie kann ihre zentralen Ängste mit einem zutiefst beunruhigenden Horrorfilm teilen. Ein subversiver Superheldenfilm kann ein Science-Fiction-Blockbuster widerspiegeln, während ein animiertes Kinderabenteuer der gleichen Grundstruktur wie ein umwerfender Science-Fiction-Klassiker folgen kann.

Wie flexibel Storytelling sein kann, zeigen die folgenden zehn Paarungen. Jede Reihe von Filmen unterscheidet sich deutlich in Genre, Ton, Stil und Ausführung, dennoch haben sie eine gemeinsame Grundidee, Prämisse, Charakterdynamik und Handlungsverlauf.

„The Holdovers“ und „The Whitecoat's Daughter“ könnten unterschiedlicher kaum wirken. Das eine ist eine bittersüße, warmherzige Weihnachtsdramedödie, während das andere eine Horrorgeschichte voller Isolation und Angst ist. Interessanterweise basieren beide auf einem bemerkenswert ähnlichen Szenario: Eine kleine Gruppe von Schülern bleibt während einer verschneiten Winterpause in einem Internat zurück, während ein Großteil der Außenwelt verschwindet.

In „The Holdovers“ hat Paul Hunham die Aufgabe, Schüler zu betreuen, die in den Ferien nicht nach Hause zurückkehren können. Was zunächst wie eine ungewollte Verantwortung aussieht, entwickelt sich nach und nach zu einer unwahrscheinlichen Beziehung zwischen Paul und Angus, wobei die winterliche Isolation der Schule den Hintergrund für eine unerwartet berührende Geschichte über Einsamkeit, Trauer und menschliche Verbundenheit bildet.

„The Whitecoat's Daughter“ verwendet dieselben Grundzutaten und erforscht sie auf eine viel düsterere Art und Weise. Ein durch die Winterferien leeres Internat wird zu einer isolierten Umgebung, in der die verbleibenden Schüler etwas Unheimlichem ausgesetzt sind. Der Schnee, die leeren Korridore und die Abwesenheit der normalen Studentenbevölkerung verwandeln eine gemütliche Umgebung in eine von Natur aus beunruhigende, inmitten einer Geschichte, in der es um eine finstere, dämonische Präsenz geht.

Die Ähnlichkeit macht besonders viel Spaß, weil Winter Break bereits ein Erzählmittel ist, das die Charaktere auf natürliche Weise von der Außenwelt trennt. Beide Filme nutzen diese Isolation aus, doch ihre Genres und Erzählstränge könnten nicht weiter voneinander entfernt sein.

„Get Out“ und „Meet the Parents“ sind vielleicht das beste Beispiel dafür, dass dieselbe Angst in völlig unterschiedlichen Genres untersucht wird.

In beiden Filmen geht es um einen Mann, der zum ersten Mal die Eltern seiner Freundin trifft und verzweifelt versucht, einen guten Eindruck zu hinterlassen. In jeder Geschichte betritt der Protagonist eine ungewohnte familiäre Umgebung, in der er von den Menschen, die ihn eigentlich willkommen heißen sollen, genau unter die Lupe genommen, befragt und ihm immer mehr Unbehagen bereitet.

Greg Fockers Leidensweg wird als Komödie dargestellt. Seine Versuche, Jack Byrnes zu beeindrucken, führen zu immer demütigenderen Katastrophen und treiben die allgemeine Angst vor der Begegnung mit den Eltern auf die Spitze.

Get Outnimmt dieselbe Prämisse und macht sie zu einer Waffe. Chris Washingtons Besuch bei der Familie seiner Freundin Rose ähnelt zunächst einer unangenehmen Version des bekannten „Treffen Sie die Eltern“-Szenarios, doch Jordan Peele offenbart nach und nach, dass Chris‘ Unbehagen nicht nur auf sozialer Angst beruht. Der Film transformiert die Erfahrung durch die Linse der Rasse und enthüllt die weitaus finstereren Implikationen hinter dem Verhalten, dem er begegnet.

„Disclosure Day“ und „Glass“ kommen aus völlig unterschiedlichen Ecken des Genrespektrums, aber ihre Enden haben eine außerordentlich spezifische Ähnlichkeit darin, dass die Existenz außergewöhnlicher Wesen schließlich der ganzen Welt offenbart wird.

InGlass führt der ausgeklügelte Plan von Elijah Price letztendlich dazu, dass Aufnahmen der Konfrontation zwischen David Dunn und Kevin Wendell Crumb öffentlich veröffentlicht werden. Der Welt werden Beweise dafür vorgelegt, dass es tatsächlich Individuen mit Superkräften gibt, die möglicherweise das Verständnis der Menschheit darüber verändern, was möglich ist.

Der Disclosure Day erreicht ein auffallend ähnliches Ziel. Margaret Fairchild und Daniel Kelman arbeiten daran, Beweise dafür aufzudecken, dass außerirdisches Leben existiert, und bringen diese Informationen schließlich durch eine weltweite Nachrichtensendung an die Öffentlichkeit.

In beiden Filmen versuchen die Charaktere, Informationen aufzudecken, zu schützen oder zu verbreiten, die mächtige Kräfte unbedingt unterdrücken wollen. „Glass“ stellt die Enthüllung als eine Wendung in der Handlung nach dem Tod seiner Hauptcharaktere dar, während „Disclosure Day“ von Anfang an im gesamten Film auf sein titelgebendes Ereignis aufbaut. Letzteres lässt die öffentliche Enthüllung daher wie den Höhepunkt der Geschichte erscheinen und nicht wie eine Überraschung, die an ihr Ende angehängt ist.

Zwischen „The Matrix“ und „The Lego Movie“ liegen vielleicht fünfzehn Jahre, Genre, Einschaltquoten und Zielgruppe, aber ihre Protagonisten verfolgen eine komisch ähnliche Reise.

Neo und Emmet sind beide gewöhnliche, regeltreue Jedermann, der ein banales Leben in streng kontrollierten Gesellschaften führt. Jeder akzeptiert die Welt um sich herum zunächst als normal, bevor er erkennt, dass die Realität nicht das ist, was sie zu sein scheint. Noch wichtiger ist, dass jeder erfährt, dass er tatsächlich dazu bestimmt ist, „Der Auserwählte“ zu werden, der in der Lage ist, andere aus diesem System zu befreien.

Die Gemeinsamkeiten der Filme gehen über die Protagonisten hinaus. Es gibt weise Mentorfiguren, die die Wahrheit vor dem Helden verstehen. In „Matrix“ gibt es Morpheus. Im LEGO-Film gibt es Vitruv. In beiden Filmen ist auch eine beeindruckende Frau in schwarzer Kleidung zu sehen, die zur Verbündeten und Geliebten des Helden wird: Trinity und Wyldstyle.

Sogar die Bösewichte ähneln einander. Agent Smith und Good Cop/Bad Cop sind Agenten der künstlichen Systeme, die ihre jeweiligen Realitäten kontrollieren, und beide repräsentieren die Unterdrückungskräfte, die versuchen, ihre Welten am Laufen zu halten.

E.T. „Das Außerirdische“ und „Der Marsianer“ sind beide Überlebensgeschichten über einen Menschen, der weit weg von zu Hause gestrandet ist. E.T. und Mark Watney werden beide von ihren jeweiligen Crews getrennt und in Umgebungen zurückgelassen, in denen ein Überleben zunächst unmöglich erscheint. E.T. ist ein Außerirdischer, der auf der Erde gestrandet ist, nachdem er von seiner Spezies zurückgelassen wurde, während Watney versehentlich für tot gehalten und auf dem Mars zurückgelassen wird.

Watney ist Botaniker und seine Fähigkeit, Kartoffeln anzubauen, ist für sein Überleben von entscheidender Bedeutung. Er verwandelt einen unwirtlichen Lebensraum auf dem Mars in eine provisorische Farm und nutzt Wissenschaft und Einfallsreichtum, um Lebensmittel zu produzieren, während er auf Rettung wartet.

E.T. wird auch mit dem Pflanzenleben in Verbindung gebracht, insbesondere durch die Faszination der Figur für die Botanik und die einprägsame Darstellung seiner Beziehung zu Elliotts Haus und Garten im Film. In beiden Filmen werden Pflanzen konsequent als Symbole für das Leben in Umgebungen verwendet, in denen das Überleben außerordentlich schwierig sein dürfte.

Zwischen Madagaskar und Tropical Thunder besteht eine besonders amüsante Verbindung. In beiden Filmen spielt Ben Stiller einen verwöhnten Promi, der plötzlich in eine gefährliche Dschungelumgebung geworfen wird.

In Madagaskar spricht Stiller Alex, einen berühmten Zoolöwen, dessen Leben von Komfort, Aufmerksamkeit, Routine und einem endlosen Nahrungsvorrat geprägt ist. Als Alex und seine Freunde ihrer sorgfältig kontrollierten Umgebung entkommen, stranden sie auf Madagaskar, wo es nirgendwo die Annehmlichkeiten der Zivilisation gibt.

In „Tropic Thunder“ spielt Stiller den Actionstar Tugg Speedman, einen an Verehrung gewöhnten Schauspieler, der während der Dreharbeiten zu einem Kriegsfilm in einen echten Dschungel gerät. Er glaubt, dass er nur etwas vorführt, doch dann erkennt er, dass die Situation um ihn herum real ist.

Beide Charaktere beginnen als verwöhnte Entertainer, die an künstliche Umgebungen gewöhnt sind, die auf ihre Bedürfnisse zugeschnitten sind. Doch im Verlauf der Geschichte werden beide gezwungen, sich einer rauen Welt zu stellen, in der ihr Promi-Status keine Bedeutung mehr hat.

TakenandFinding Nemo verwandelt denselben elterlichen Albtraum in völlig unterschiedliche Kinoerlebnisse. In beiden Filmen wird ein Elternteil von einem Kind getrennt, das ihm weggenommen wurde, und die gesamte Geschichte wird zu einer verzweifelten Mission, dieses Kind zu finden und zu retten.

Bryan Mills reagiert auf die Entführung seiner Tochter mit ganz besonderen Fähigkeiten. Seine Verfolgung führt ihn quer durch Paris, während er systematisch die verantwortlichen Sexhändler aufspürt und versucht, seine Tochter nach Hause zu bringen.

Marlins Reise in „Findet Nem“ ist deutlich weniger gewalttätig, aber emotional ist sie fast identisch. Nachdem Nemo gefangen genommen und weit von zu Hause weggebracht wurde, überquert Marlin auf der Suche nach seinem Sohn den Ozean und stößt dabei auf immer gefährlichere Hindernisse. Beide Väter lieben ihr Kind und wollen nicht akzeptieren, dass es weg ist. Außerdem haben beide eine eher schwache Beziehung zu ihren Kindern, bevor das Kind verschwindet. Ihre Methoden zur Wiedervereinigung mit ihren Kindern könnten unterschiedlicher nicht sein, aber ihre Motivation ist genau die gleiche.

Die vielleicht bizarrste Paarung auf dieser Liste, Se7enandCharlie und die Schokoladenfabrik, sind sich auffallend ähnlich, wenn man sie etwas genauer unter die Lupe nimmt.

In beiden Filmen geht es um einen exzentrischen Mann, der auf Menschen trifft, die sich durch besondere Sünden oder moralisches Versagen auszeichnen, und ausgefeilte Szenarien erfindet, die genau diese Eigenschaften gegen sie wenden.

In Se7en baut John Doe seine Morde auf die sieben Todsünden auf. Jedes Opfer wird ausgewählt, weil es eine bestimmte Sünde symbolisiert, und Doe konstruiert ausgefeilte Strafen, die das Vergehen widerspiegeln sollen.

Willy Wonka nimmt unterdessen eine Gruppe Kinder mit in seine Fabrik und beobachtet ihr Verhalten. Jedes Kind besitzt ein bestimmtes Laster und jedes stößt schließlich auf eine Konsequenz, die speziell auf diesen Fehler zugeschnitten ist. Die moralischen Rahmenbedingungen sind offensichtlich unterschiedlich, aber die strukturelle Ähnlichkeit ist frappierend.

Chinatown und Who Framed Roger Rabbit sind zwei sehr unterschiedliche Versionen einer hartgesottenen Noir-Detektivgeschichte aus Los Angeles. Im Mittelpunkt beider Filme stehen Privatdetektive, die in weitreichende Verschwörungen verwickelt sind, bei denen es um Korruption, mächtige Persönlichkeiten und die Verkehrsinfrastruktur der Stadt geht. Vor allem drehen sich beide Geschichten um das öffentliche Verkehrssystem Red Car, dessen Geschichte für die untersuchten Rätsel von zentraler Bedeutung ist.

Jake Gittes und Eddie Valiant sind ebenfalls aus ähnlichem Noir-Stoff gefertigt. Beide sind zynische Privatdetektive, die sich in einer Welt zurechtfinden, in der scheinbar einfache Fälle immer komplizierter, gefährlicher und moralisch undurchsichtiger werden.

Zwischen den beiden Noir-Filmen besteht sogar eine noch umfassendere Verbindung. Eine geplante Fortsetzung von Chinatown mit dem Arbeitstitel „Cloverleaf“ sollte sich damit befassen, wie Unternehmensinteressen das öffentliche Verkehrssystem „Red Car“ in L.A. demontierten. Die Drehbuchautoren Jeffrey Price und Peter S. Seaman waren stark von „Chinatown, Who Framed Roger Rabbit“ inspiriert und nannten das schurkische Unternehmen „Cloverleaf Industries“.

„The Dark Knight Rises“ und „Rocky III“ verfolgen für ihre alternden Helden bemerkenswert ähnliche Handlungsstränge. Bruce Wayne und Rocky Balboa beginnen ihre jeweiligen Geschichten als etablierte Champions, deren beste Tage hinter ihnen zu liegen scheinen. Sie haben enorme Erfolge erzielt, aber ihre früheren Siege haben sie selbstgefällig, körperlich beeinträchtigt und unvorbereitet auf die neue Bedrohung zurückgelassen, die auf sie zukommt.

Diese neue Bedrohung kommt in Form von Bane für Batman und Clubber Lang für Rocky. Beide sind jüngere, körperlich imposantere Gegner, die den Protagonisten in einer verheerenden ersten Konfrontation überwältigen.

In beiden Erzählungen wird ein wichtiger Mentor aus der Welt des Protagonisten entfernt. Bruce steht nach dem Scheitern ihrer Bindung ohne Alfreds Rat da, während Rocky nach dem Tod von Mickey von einem emotionalen Trauma erschüttert wird.

Nach diesem zusätzlichen Schlag sind die Protagonisten gezwungen, sich neu zu konstruieren. Bruce konzentriert sich während seiner Inhaftierung wieder auf die physische und psychische Konditionierung, bevor er Bane erneut gegenübertritt. Unterdessen bittet Rocky Apollo Creed um Hilfe, der ihm dabei hilft, die nötige Geschwindigkeit und Härte wiederzugewinnen, um Clubber Lang zu besiegen.