Si la palabra “épica” necesitaba un resurgimiento, Christopher Nolan dio un paso al frente. Su versión de *La Odisea* de Homero se estrena en los cines el viernes 17 de julio, traduciendo una piedra angular de la literatura occidental a la pantalla utilizando únicamente cámaras IMAX Film. Es el tipo de imagen de evento que pretende recordar a los espectadores lo colosal que puede resultar el cine en su máxima expresión.
La fecha de estreno también invita a echar una mirada retrospectiva a una década que amplió drásticamente el alcance de la película épica. La década de 1970 heredó los enormes espectáculos históricos del Hollywood clásico, pero sus directores ya no se contentaban con la escala. Las epopeyas bélicas se volvieron más dudosas sobre el heroísmo, los dramas criminales cargaron con el peso de las tragedias generacionales y George Lucas impulsó toda la forma al espacio exterior.
Lo que une a las epopeyas más famosas de la época no son simplemente duraciones prolongadas o legiones de extras. Estas películas construyen mundos que superan a los personajes que los habitan y luego permiten que las decisiones más personales desencadenen consecuencias monumentales. Desde campañas militares desafortunadas hasta familias estadounidenses en ruinas, las diez mayores películas épicas de la década de 1970 ganaron su estatura monumental.
Un puente demasiado lejos (1977)
El elenco de Un puente demasiado lejos
ABridgeTooFar, de Richard Attenborough, inicia esta lista con una gran saga centrada en la derrota. La película de guerra de casi tres horas sigue la Operación Market Garden, el audaz impulso aliado diseñado para acelerar la conclusión de la Segunda Guerra Mundial tomando una cadena de puentes a través de los Países Bajos. Entre los muchos rostros que pueblan este enorme campo de batalla se encuentran SeanConnery, MichaelCaine, AnthonyHopkins, GeneHackman, JamesCaan y RobertRedford.
Pocas películas pueden igualar el impacto de aviones, paracaidistas y tanques auténticos que llenan la pantalla, especialmente cuando Attenborough se niega a transformar la misión en un triunfo reconfortante. Sin embargo, el extenso reparto de la película también crea una cierta distancia emocional. ABridgeTooFar llega al puesto número 10 en gran parte debido a la impresionante escala de su producción, mientras que los títulos que lo preceden ofrecen un enfoque humano más estricto en medio de narrativas igualmente elevadas.
Pattón (1970)
Mientras ABridgeTooFar examina el combate a través de una extensa red de comandantes y tropas, Patton reduce ese alcance a una sola figura. GeorgeC.Scott interpreta al general GeorgeS.Patton, un estratega magistral que parece incapaz de existir fuera del campo de batalla. Su icónico discurso de apertura retrata instantáneamente a un hombre que considera la guerra como una vocación santa y el único escenario lo suficientemente amplio como para albergar su personalidad más grande que la vida.
Scott ganó el Premio de la Academia al Mejor Actor y es famoso por rechazarlo, pero su interpretación ha perdurado mucho después de la controversia del premio. Nunca reduce a Patton a un simple héroe o monstruo. Los amplios enfrentamientos en el desierto dan grandeza a la película, mientras que Scott aporta la tensión esencial. Está por encima de Un puente demasiado lejos porque su espectáculo siempre está personificado, incluso si las entregas posteriores profundizan más debajo de la armadura.
El cazador de ciervos (1978)
Stan (John Cazale) con un sombrero de piel en The Deer Hunter.
Si bien Patton parece destinado a la guerra, los personajes de The Deer Hunter casi son aniquilados por ella. Michael Cimino dedica una parte importante de la primera hora a la comunidad obrera de Michael, Nick y Steven en Pensilvania. La escena de la boda puede parecer larga al principio, pero su duración es deliberada. Cimino quiere que los espectadores comprendan lo que poseían estos hombres antes de que Vietnam cambiara sus vidas.
Las infames secuencias de la ruleta rusa de la película son brutales e intencionadamente difíciles de ver, pero la verdadera devastación surge una vez que los supervivientes regresan a casa. La actuación comedida de Robert DeNiro y la vulnerabilidad de Christopher Walken transforman una epopeya de guerra en un examen de una amistad que ya no puede repararse. The Deer Hunter ocupa el puesto número 8 porque su alcance emocional supera al de las películas de guerra más tradicionales que se encuentran debajo, incluso cuando su simbolismo se vuelve dolorosamente contundente.
Sholay (1975)
Después de tres crudas narrativas de guerra, Sholay demuestra cómo una epopeya puede ofrecer puro entretenimiento. El hito del cine hindi de Ramesh Sippy sigue a Jai y Veeru, dos delincuentes de bajo nivel contratados por un oficial de policía retirado para defender una aldea contra el despiadado bandido Gabbar Singh. Aunque la premisa se inspira en películas del oeste y de samuráis, Sholay transforma esas influencias en algo inequívocamente suyo.
Con una duración de tres horas, la película alberga acción, romance, comedia, tragedia y números musicales manteniendo la amistad central en foco. Los diferentes tonos pueden parecer contradictorios, pero construyen un final con un impacto emocional real. Sholay eclipsa las epopeyas bélicas estadounidenses porque su escala parece más generosa que onerosa. Llega al puesto número 7 porque las seis películas que vienen no sólo perfeccionan una forma establecida sino que también la llevan a un nuevo territorio.
Un toque de zen (1971)
Mientras que *Sholay* eleva los tropos de género estándar al folclore popular, *A Touch of Zen* de King Hu eleva las artes marciales a un plano casi espiritual. La narración se desarrolla con deliberada paciencia, siguiendo a un modesto erudito cuyo entorno aparentemente embrujado en realidad alberga a una mujer noble que huye de su captura. Aunque transcurren casi sesenta minutos antes del primer enfrentamiento importante, en el momento en que se desenvainan las espadas, toda la película parece desafiar la gravedad.
Las escenas del bosque de bambú ayudaron a forjar un vocabulario visual que luego influyó en obras como *Tigre agazapado, dragón oculto*. Sin embargo, la verdadera elegancia de *Un toque de Zen* reside en su transición de la acción cinética al simbolismo budista y a una investigación más profunda de la naturaleza de la violencia. Posicionado en el puesto número 6, supera a *Sholay* debido a su alcance más allá de la mera diversión. Su estructura atípica le impide entrar entre los cinco primeros, pero esta misma imprevisibilidad es lo que lo hace tan cautivador.
El rey Hu era un perfeccionista tan inquebrantable que la fotografía principal de Un toque de Zen se prolongó durante poco más de tres años. Para lograr la impresionante e ingrávida apariencia de los personajes saltando por el aire durante la icónica pelea con espadas en el bosque de bambú (que inspiró directamente Tigre agazapado, dragón oculto de Ang Lee), Hu escondió estratégicamente pequeños trampolines justo debajo del marco inferior de la cámara, permitiendo a sus actores lanzarse a las tomas con un impulso perfecto y de apariencia natural.
Star Wars: Episodio IV — Una nueva esperanza (1977)
Chewbacca y Han Solo en Star Wars: Episodio IV - Una nueva esperanza
Cuando la saga de los años 70 despegó, dejó a la Tierra atrás. George Lucas extrajo series de películas clásicas, westerns, películas de samuráis y el viaje del héroe monomítico para crear un universo que de alguna manera parecía atemporal, aunque el público nunca lo había presenciado antes. La salida de Luke Skywalker de Tatooine sirve como un sencillo llamado a la aventura, sin embargo, todo lo que lo rodea (la Fuerza, los Jedi caídos, el Imperio Galáctico) implica una historia profundamente arraigada que se extiende mucho más allá de una sola película.
Sólo un puñado de películas han remodelado el cine convencional hasta este punto.
Star Wars redefinió lo que los cinéfilos esperaban del espectáculo visual y lo que los estudios pensaban que podía lograr un éxito de taquilla. Más importante aún, su amplio escenario nunca eclipsa a sus protagonistas. Luke sigue impulsado por la búsqueda de un propósito, Leia se niega a ser una damisela pasiva y Han Solo está principalmente preocupado por que le paguen. Se asegura el puesto número 5 porque pocas películas han alterado tan completamente el cine popular, a pesar de que las cuatro películas por encima ofrecen exámenes más ricos de la ambición y sus consecuencias.
Barry Lyndon (1975)
StarWars volvió su mirada hacia el futuro, descubriendo una especie de mitología espacial, mientras Stanley Kubrick miraba hacia atrás, descubriendo un pasado congelado como un insecto atrapado en ámbar. BarryLyndon sigue al RedmondBarry de Ryan O'Neal mientras emerge de una humilde campiña irlandesa a través de la guerra, el matrimonio, la riqueza y el ascenso social. Aunque su trayectoria siempre es ascendente, la actitud distante de Kubrick hace que su eventual caída parezca predestinada desde el principio.
Las habitaciones iluminadas con velas y las vistas dispuestas con precisión han captado la mayor parte de los elogios, y con razón. La cinematografía de JohnAlcott obtuvo un Oscar, al igual que el diseño de producción y la música adaptada. Sin embargo, las imágenes sirven más que ornamentación; cada suntuosa cámara subraya la sensación de alienación de Barry. Llega al puesto número 4 porque su dominio visual es casi incomparable, aunque su distancia emocional decidida le da a los tres primeros un agarre ligeramente más firme.
Para rodar escenas en interiores completamente a la luz de las velas, Stanley Kubrick utilizó objetivos ultra raros Zeiss Planar f/0,7. Originalmente diseñados para que la NASA fotografiara el lado oscuro de la luna durante las misiones Apolo, solo existían 10. La profundidad de campo era tan fina que si los actores se inclinaban aunque fuera cinco centímetros fuera de su lugar, quedaban completamente desenfocados.
El padrino (1972)
Barry Lyndon dedica su existencia a ascender en las filas de la élite. Por el contrario, Michael Corleone comienza *El Padrino* ya integrado en una familia dominante, pero pasa la narración insistiendo en que puede mantenerse alejado de sus operaciones. La adaptación cinematográfica de Francis Ford Coppola de la novela de Mario Puzo recorre ceremonias, asesinatos, tratos y ritos, reformulando la operación criminal Corleone como una sombría iteración de una dinastía estadounidense.
Eleva la narrativa criminal para que cargue con el peso de una tragedia antigua.
La metamorfosis de Al Pacino es el factor principal que coloca la película en esta posición. Michael no refleja instantáneamente a su padre; más bien, el cambio se manifiesta a través de miradas sutiles y elecciones progresivamente más frías. En el momento en que la puerta de la oficina se cierra tras Kay, el ex outsider se ha convertido en el líder indiscutible. *El Padrino* ocupa el puesto número 3 porque imbuye a una historia criminal la gravedad de una tragedia antigua. Sólo la supera su sucesora directa y la producción más atrevida de Coppola.
El padrino parte II (1974)
Michael Corleone (Al Pacino) luce serio en Cuba en El Padrino II
Si bien la película original mostraba a Michael asumiendo el control de la dinastía familiar, la secuela explora el elevado coste personal que supone preservarla. Coppola intercala el creciente aislamiento de Michael a finales de la década de 1950 con los orígenes de Vito Corleone, interpretado por Robert De Niro, rastreando el viaje del patriarca desde un joven inmigrante hasta una figura venerada dentro de su barrio de Little Italy.
Estas narrativas duales establecen una de las yuxtaposiciones más desgarradoras en la historia del cine. Vito acumula influencia mientras alimenta una familia muy unida, mientras que Michael refuerza su control del poder eliminando a las mismas personas que dieron significado a esa autoridad. Aunque el seguimiento tiene un alcance más amplio, sigue siendo profundamente personal y concluye no con un momento triunfal sino con Michael en confinamiento solitario. Asegura el segundo lugar porque pocas epopeyas han entrelazado tan magistralmente cambios generacionales, maniobras políticas y traiciones íntimas con tanta exactitud.
Apocalipsis ahora (1979)
Francis Ford Coppola ocupa tres de las tres primeras posiciones, un testimonio de que ningún otro director ha traspasado los límites del cine épico de los años 70 con tanta audacia. En *Apocalypse Now*, transpuso *El corazón de las tinieblas* de Joseph Conrad al contexto de la guerra de Vietnam, enviando al capitán Benjamin Willard río arriba en una misión para matar al coronel Walter Kurtz. La operación, inicialmente un simple objetivo militar, poco a poco se aleja de la lógica y la cordura.
El asalto en helicóptero a Wagner, la jungla en llamas y el inquietantemente jovial Kilgore de Robert Duvall son suficientes para cimentar la reputación de grandiosidad de la película. Sin embargo, Apocalypse Now ocupa el primer lugar porque su gran escala refleja la locura que se apodera de sus protagonistas. A medida que Willard se adentra más en el conflicto, la guerra pierde su carácter estratégico y comienza a parecerse a un ritual. Coppola creó una epopeya que parece desintegrarse a medida que avanza, ofreciendo potencialmente el retrato más auténtico de la era que la generó.
